Il y a de ces groupes inclassables qui trouvent tout naturellement au sein de la communauté stoner un accueil chaleureux, bienveillant, en attendant de trouver leur voix auprès d’un public plus large, toujours plus long à reconnaître l’évidence. Rappelez-vous Mastodon, Entombed, etc… Kvelkertak est de cette engeance. Plusieurs mois après sa sortie, il n’est pas trop tard pour mettre en avant ce groupe qui ne laisse personne indifférent. N’ayant pas eu l’opportunité d’écouter leur premier album éponyme, “Meir” fut pour moi l’album de la découverte de Kvelertak. Même si ça apparaît cliché au possible, le premier morceau est clairement LE titre de la révélation, un morceau colossal, splendide de tension et de construction, qui place la barre super haut. “Åpenbaring” engage son riff simplissime sur une douzaine de mesures, en voyant progressivement les collègues venir occuper leur place dans le spectre sonore : deuxième gratte en harmonie, batterie, gros riff de rythmique (bon sang, trois grattes, ça le fait quand même), et ce n’est qu’au bout de 1min50 qu’Hjelvik vient vomir ses premiers kilos de tripaille derrière le micro. Une intro, un couplet, un semblant de refrain, un break et… fini ! En trois minutes la messe est dite et tout le monde est assis dans son fauteuil, les yeux écarquillés. Je vous promets qu’il y a tant de grâce dans ce morceau qu’il ne vous faudra pas plus de deux minutes pour comprendre que Kvelertak a quelque chose de spécial. En revanche, autant l’annoncer tout de suite, aucun autre morceau de l’album ne parvient à la hauteur de ce tir de barrage introductif. Et pourtant, y’a du matos niveau compos sur cette galette robuste de cinquante minutes. Les norvégiens partent dans tous les sens en terme de genres musicaux, tant que c’est efficace, ils le font. Metal, stoner, black metal, post-bidule-core, death, punk, rock, etc… Et à aucun moment ils ne sacrifieront la mélodie à l’effet facile. “Spring Fra Livet” en est un bon exemple : son riff presque sautillant (que n’auraient pas renié Torche, par exemple) est plus rock que metal, ce qui n’empêche pas encore une fois Hjelvik de beugler comme un porc que l’on égorge. Précisons que le chant du jeune norvégien est pour le moins “structurant” dans la musique du groupe, dans le sens où si vous ne pouvez pas apprécier ce style de chant (le gars trouverait sans problème sa place dans un combo de black metal scandinave, si vous voyez ce que je veux dire), vous ne pourrez pas l’éviter tout du long ! On ne s’ennuie pas ensuite non plus, avec le presque grindcore “Trepan” (même si je ne comprends rien au norvégien, le titre semble bien nommé au vu de l’effet produit sur ma boîte crânienne), “Evig Vandrar” complètement construit autour d’un riff de guitare sèche (si !), “Snilepisk” et sa rythmique punk, “Nekrokosmos” qui pourrait même rappeler occasionnellement les Turbonegro (voir les chœurs tout discrets…). Autre petite perle, “Tordenbrak” déroule son riff impeccable sur presque neuf minutes insolentes, avec des variations maîtrisées et des arrangements de composition imparables (lignes de chant, soli ou grattes harmonisées, breaks, etc…). Leur chanson éponyme “Kvelertak”, avec ses relents d’AC/DC sur son refrain scandé, n’est pas du même niveau, mais ne démérite pas pour conclure cette bonne claque. Même si clairement Kvelertak n’évolue pas dans un stoner rock pur jus, leur musique inclassable suscite des passerelles musicales vers nos contrées musicales. Et surtout, la qualité intrinsèque de cette production devrait susciter l’intérêt de la plupart de nos fidèles, connus pour leur bon goût et leurs qualités de précurseurs. Quoi qu’il en soit, en cas de doute, il ne fait aucun doute que la vraie bataille soit gagnée sur scène : la musique du sextette véhicule une énergie telle que l’on a du mal à imaginer quiconque en rester indemne, puriste ou pas.
|
||||||||||||||||
 |
Fin de la chronique, merci vous pouvez ranger vos affaires. Bon ok, on va l’écouter… Au fur et à mesure de l’écoute, les deux noms cités plus haut en référence, disparaissent pour laisser place à du Space Rock bien planant, il y a de la reverb et du delay en quasi permanence sur la gratte et la voix, peu de chant d’ailleurs, un petit passage ici et là et hop on passe à la suite, j’aime ça . Prescription d’écoute : A écouter en extérieur, de préférence le soir au printemps accompagné d’un verre d’absinthe légèrement sucrée. Merci docteur, mais en cas d’oublie, est ce que je peux doubler les doses le lendemain ? Note pour les acheteurs compulsifs, on me dit à l’instant dans l’oreillette que sur la version CD, il y a un morceau de plus. Je veux bien qu’un LP soit limité en terme de durée mais la je crie à l’arnaque, ils auraient pu foutre un 45t en bonus… je me suis fait enfler de 10 min !
Mais revenons un peu sur la genèse du groupe. Depuis bien longtemps Bob s’occupe entre deux tournées en créant un matériel sonore qu’il met en réserve. Pour faire marrer son pote batteur Scott, il décide un beau jour de lui envoyer ses pistes et de tester sa capacité à suivre le rythme derrière les fûts. Rapidement la base d’un album est prête et décision est prise d’emmener le tout dans le studio de Scott le bassiste. Tout ce petit monde se réunit finalement en un groupe et continue le travail. En attendant de trouver un éventuel chanteur, Bob pose une ligne de voix test qui deviendra la voix finale de l’avis de tous. Cette voix test est bien sûr celle sous vocodeur. Mais revenons à l’album. Surprise, on est accueilli par une rapide ouverture typée jazz. Une sorte de faux départ donc. Le morceau précité vient ensuite. Le son est lourd de fuzz, la batterie est mise à rude épreuve, la basse est présente et participe activement à l’ambiance et le vocodeur créer un décalage qui est original si ce n’est intéressant. Le rythme est soutenu, la structure est classique mais bien fichue et l’instrumental suffisamment efficace sur les morceaux de plus de 4 minutes qui se terminent par une montée fort sympathique. Le milieu de l’album est composé d’un court interlude du même type que l’ouverture. Une sorte de pause car jusque-là rien ne nous a permis de nous reposer. Commence alors le morceau le plus original de l’album : ”I’m Not Upside Down”. Le rythme y est fortement ralenti, le groove de Scott le bassiste est au maximum, la batterie se fait subtile et discrète, la guitare appuie là où il faut et ici pas de vocodeur mais une ligne de voix lancinante, presque éthérée. En somme une très bonne parenthèse atmosphérique. On reprend alors avec trois morceaux dans la veine des précédents (“Season In Hell”, “Inside The Machine”, “Hunted”) et un final jazzy histoire de s’en sortir en douceur. En définitif, l’album est construit d’une manière étonnante mais cohérente et les partis pris assumés, si tant est qu’on y soit sensible, rendent l’expérience admirablement écoutable et le plaisir est bien là.
Autant vous prévenir d’emblée, il s’agit encore une fois d’une bande de hippies. Cheveux au vent, sourire aux lèvres, pattes d’eph etc. Dès le premier titre on est plongé dans une époque où porter une chemise à fleur n’était pas encore réservé aux personnes en surpoids. Voila pour l’époque, niveau localisation on est téléporté dans le désert des Mojaves où dans n’importe lequel qui évoque les Amérindiens en fait, en tout cas la sensation de grand espace à perte de vue est là dès les premières notes. Niveau musique, les ambiances sont très calmes, posées, tendance envoûtement, transe chamanique et autres délires oniriques. Pas de pot j’aime ça. Chaque instrument est bien sagement à sa place, tant niveau sonorité que mise en place ou composition, rien ne dénote ni ne choque. On est pas là pour ça d’ailleurs mais pour aider à faire un voyage spirituel le plus abouti possible. Ça fonctionne plutôt bien, on est vite pris dans des visions de paysages balayés par un vent calme et par un soleil clément. On a presque l’impression de se mettre à planer. Pfiou, je vais peut être me calmer sur le mezcal moi … Lorsque les instru ont bien installé ces images en vous la voix arrive et en ajoute une nouvelle couche sur cette musique déjà bien évocatrice. Noyée de reverb cette voix androgyne vous porte de vallée en vallée et vous fait côtoyer les aigles royaux. Les lieux et les ambiances qu’éveille ce groupe se rapprochent par certains points à la B.O du film Dead Man (Jim Jarmusch) même si musicalement c’est assez éloigné. L’esprit de cette musique m’y a toutefois ramené à plusieurs reprises. Au détour d’une interlude par exemple on tombe parfois sur des larsens aériens et mélodiques qui pourraient très bien s’apparenter au jeu de Neil Young sur cette fameuse B.O. Pour trouver à redire, je note deux choses : un album assez court (35 min) et surtout difficile à trouver à un tarif raisonnable. Dommage tant la pochette vaut son pesant de cacahuètes, typiquement Amérindienne et terriblement classe avec son aigle stylisé qui se dirige vers un soleil/divinité. Pour déguster cette galette en toute quiétude voici une petite astuce : Le plus dur va être de trouver un coin qui ressemble suffisamment à la vallée de la mort pour que la magie opère, mais une fois que ce sera chose faite, enfilez votre plus beau slip en peau d’écureuil, débrouillez vous pour que madame (ou la voisine) accepte d’enfiler le costume de Pocahontas que vous aurez pris soin d’emporter, formez un cercle avec votre tribu composée de quelques potes et de leurs femmes préalablement costumées elles aussi et lorsque tout le monde sera dans le bon état d’esprit, vous pourrez alors lancer la lecture de Burning circles in the sky.
Comme son prédécesseur, le disque foisonne d’idées, de breaks improbables qui prennent systématiquement l’auditeur à contrepied, et de compos aussi variées et riches les unes que les autres. Bref, Gozu bouffe à tous les râteliers et fait la nique à pas mal de monde tant le combo maitrise ses sujets. (Seule ombre au tableau et crime de lèse-majesté pour le fan des Yankees que je suis : un titre dédié à Theo Epstein, ancien manager des Red Sox… mais je leur pardonne volontiers puisque ce n’est pas de leur faute s’ils viennent de Boston)
Contrée des Krisprolls et des meubles en kit, la Suède est aussi une terre musicalement et rockement fertile. Quoique, 5 ans pour nous pondre ce troisième album : on ne peut pas vraiment parler de fertilité à l’entame de cette chronique du nouveau Deville. Ce premier opus à sortir chez le cultissime label Small Stone démarre très rapidement. Pas de chichis, Deville envoie le bois dès les premières secondes du terrifiant “Lava”, brûlot du genre à vous donner envie de laisser des traces de gommes sur l’asphalt. Même recette et même résultat sur le deuxième titre “Iron Fed”, morceau dont l’urgence n’a d’égal que la furie du docteur vert Bruce “Hulk” Banner. Du coup, cette troisième offrande a le (_I_) entre deux chaises, partagée entre des racines stoner dont le groupe semble tenter (voire tenté ?) de s’affranchir et un devenir straight-rock (qui a dit pop ?) beaucoup trop propre pour être honnête. Un seul morceau suffit à illustrer cette ambiguïté : l’instrumental “Battles will Be Born” qui oscille péniblement entre le riff bien gras et le rock mainstream. Que retiendra t-on de cette nouvelle galette alors ? Pour les purs et durs, amateurs de grosses cylindrées et de route 66, pas grand chose finalement. Exception faite du titre d’ouverture, de (peut-être) “Over The Edge” et son riff ciselé selon l’école Arthur Seayienne et du semi- gâchis “Burning Tower”, morceau qui fait montre d’un énorme potentiel avec sa joyeuse cavalcade de guitares (tendance The Sword époque “Age Of Winters”), mais qui est coupé (saboté) en son milieu pas un passage dont la platitude n’a rien à envier à la poitrine de Marina Foïs, cet album n’offrira rien de bien consistant à vous mettre sous la dent. Pour les autres, plus “ouverts”, cet Hydra ne vous rebutera pas, loin de là. Riche et varié, ce disque est un album d’excellente facture (même si – soyons honnêtes – il ne restera pas dans les mémoires comme étant l’album du siècle) qui saura trouver facilement sa place sur votre platine.
Quand on parle de musique instrumentale deux écoles s’opposent. Pour la première, s’il n’y a pas de chant il manque quelque chose, comme un plat sans épice. Pour la seconde, si les matières premières sont bonnes, pourquoi les dissimuler derrière une épice ? Si je vous parle aujourd’hui de ce “5th Sun” par Monkey3 c’est bien que je fais partie de la seconde école. Parce qu’il faut bien se l’avouer parfois l’épice cache un peu la misère du plat ou gâche le plat tout simplement. Par contre quand tout est parfaitement juste dans le dosage, alors là vous avez un plat à déguster avec soin, à apprécier à sa juste valeur, à chroniquer avec quatre mois de retard… Pourquoi cette comparaison culinaire me direz-vous ? Tout simplement parce que quand en cuisine vous avez la fine brigade des Monkey3, vous avez la garantie que les produits sont bons et mitonnés comme il faut. Des ingrédients simples mais efficaces : guitare, basse, batterie, claviers, des recettes équilibrées mais gourmandes pour un menu qui satisfera tous vos besoins essentiels en mélodies, en psychédélisme et en saturation bien sûr. Dès l’entrée avec “Icarus” vous serez plongés dans ses mélodies, fins arrangements, solos, passage psyché, grosses lignes de basse, motifs rythmiques adaptés, claviers mis en avant. En près de 15 minutes vous êtes déjà rassasiés mais vous en demanderez encore et vous serez servis. Mention spéciale pour “The Birth of Venus”, tube en puissance qui démontre bien que Monkey3 peut vous envouter et vous démonter la nuque en un seul et même morceau. N’hésitez pas à suivre la recommandation du chef et laissez vous tenter par la bonus track (“The Ship”) qui ne dessert pas l’ensemble du repas bien au contraire. Pour moi le meilleur album de Monkey3 en termes de son, de cohérence et de pouvoir hypnotique. Reste à voir ce que l’avenir leurs réserve après le départ de Picasso (basse), espérons que l’harmonie reste intacte.
“Win Us Over”, le quatrième album des ricains d’ASG, leur avait permis de passer une étape clé dans leur plan de carrière, leur offrant notamment des opportunités de premières parties prestigieuses, et l’accès à un public toujours plus important. Battant le fer tant qu’il était chaud, pour capitaliser sur cette dynamique efficace, le quatuor a signé chez Relapse, où ils côtoient quelques autres belles gâchettes (Red Fang, Cough, Black Tusk, etc…). Musicalement, on avait pris une belle claque avec “Win Us Over” il y a plus de quatre ans, surpris par la maturité d’un groupe alors “émergent”. On se demandait donc à quelle sauce ASG allait nous manger cette fois. Le son du disque est probablement ce qui choque – positivement – en premier lieu : la production, pourtant toujours signée par le fidèle Matt Hyde, emmène le groupe au niveau des grosses pointures de hard rock U.S., un truc rond et brillant, puissant et efficace. Derrière cet enrobage impeccable, les compositions sont de haut vol, confirmant le talent du groupe : qu’il s’agisse d'”Avalanche” (labouré de long en large par la frappe de mulet de Scott Key et une belle poignée de riffs et soli entrelacés), du plus stoner “Day’s Work” et son rythme pachydermique, de “Scrappy’s Trip” et son refrain ultra catchy (qui rappellera encore une fois les très regrettés Disengage), du plus ambiancé “Blues for Bama” (avec des passages aériens qui iront jusqu’à rappeler ponctuellement des groupes comme My Sleeping Karma), ou encore du punkoïde “Stargazin” (qui ressemble à un morceau de Torche), le groupe enchaîne les titres pointus sans jamais faiblir ni se disperser. Ca percute, ça caresse, ça intrigue, mais au final, ça accroche. Dès les premières écoutes, on aura vite compris que le groupe a clairement changé de braquet : “Win Us Over” était l’album d’un groupe underground qui développait des compos d’excellente facture. “Blood Drive” est l’album qui met tout au bon niveau : production, compos, instru… Tout est de grande classe, et sans accro. Aucun. Le truc super louche, quoi. Le revers de la médaille, c’est que ce niveau de “finition” donne une image un peu aseptisée de la musique, une forteresse clinquante sans aucune faille, mais aussi sans aspérité, sans rien qui dépasse, un truc presque un peu trop clean. Il manque un peu de gras, un peu de fuzz qui dépasse dans les coins. Mais faudrait vraiment être un peu bête pour ne pas apprécier ce disque pour ce qu’il est : un excellent disque d’american rock, tendance stoner burné.
En rentrant du boulot, je suis toujours un peu sur les genoux, je fais à moitié la gueule et j’ai faim. Ça donne envie hein ? Mais certaines fois en arrivant je découvre un disque pré-commandé depuis un ou deux mois, dans ces cas là, c’est la fête ! Je retrouve le sourire, la banane et j’ai la pêche (non je ne bosse pas dans les fruits et légumes…). Si en plus une fois déballé je m’aperçois qu’il s’agit du nouveau Pontiak, “Innocence” donc, là j’en peux plus, j’exulte de joie (oui j’en fais des tonnes, c’est vrai). Passons aux choses sérieuses : je pose le disque sur la platine. Bing ! Ça démarre sur les chapeaux de roue, ding ding ding ding nous dit madame la ride et en avant, vive la fuzz et le gros riff à l’ancienne. On pense tout de suite à Black Sab période Sabotage, La voix bien typée 70 (comme le reste d’ailleurs) continue d’évoquer Pink floyd (en même temps il faudrait que le groupe change de chanteur pour qu’on pense à un autre groupe!). Voila, vous êtes fixés : années 70, Pink Floyd qui copule avec Black Sabbath. J’ai fait le tour. Ça donne ce coté bien roots et à l’arrache qu’on trouve sur les vieux AC/DC et compagnie, le charley et les toms qui saturent sur les passages énervés. Attention, ça a sans aucun doute été fait dans un studio analogique donc la satu sur les instruments où on ne s’y attend pas (plus?) est belle et agréable à entendre. Je trouve ça classe aujourd’hui où tout est super propre et retouché 15 fois ! Là dessus il y a cette voix traînante, planante et pas toujours juste qui se ballade et nous emmène faire un tour en Angleterre (bizarre pour des gars de Virginie). Les mélodies sont comme à l’accoutumée très mélodiques et inspirées et apportent de la légèreté à l’ensemble. Petit bémol, la voix est tellement typée qu’au départ on peut lui reprocher d’amener un coté un peu répétitif. Ça passe rapidement et ça fait partie du charme du trio. Voilà c’est l’heure des adieux. Un conseil sur la façon de découvrir “Innocence” ?
Toujours sur la brèche de l’actu, à Desert-Rock, on décide de vous parler de ces p’tits jeunes de Huata ! Heureusement nos frenchies ne nous ont pas attendu pour voir leur réputation croître et leur talent être validé par les plus grandes autorités internationales. Huata donc, c’est un groupe de doom français (ou plutôt breton…) qui fait insidieusement parler de lui depuis des mois et dont nous ne pouvions pas ne pas nous faire l’écho. Surtout qu’on peut le confirmer : c’est vraiment bien. Il faut être prévenu néanmoins : la musique du quatuor extrême-occidental n’est pas des plus accessibles, et il faut donc s’investir un peu, décrasser les trois ou quatre premières écoutes pour voir apparaître le petit trésor musical qui se cache sous cette couche un peu sombre au premier abord. Effectivement – et l’on peut s’interroger sur la part intentionnelle de cet état de fait – le groupe parvient à en quelque sorte “stratifier” sa musique : sous une couche de doom traditionnel impeccablement exécutée, Huata injecte des passages plus mélodiques, ambiants, des faits de production différenciants, du groove, … Pour en arriver, donc, à une richesse musicale que l’on ne perçoit vraiment qu’en seconde approche. En six titres, Huata élabore les différents chapitres d’un serment respectueux vis-à-vis du doom le plus conventionnel, en démontrant si besoin était que le genre est loin d’être ni sclérosant ni sclérosé. Cet exercice de style passe par des compos longues et sinueuses (plus de dix minutes chacune en moyenne), larvées de passages plombés et lugubres, et percées occasionnellement de plages plus ambiantes. Illustration de cette richesse sur “Lord Of The Flame”, dont on retiendra la panoplie de riffs heavyssimes abattus sur le premier segment du titre, avant de passer à une seconde moitié bien amenée par un pont mélodique impeccable de plusieurs minutes, propice au décollage progressif d’une armada de grattes assommantes, qui se voient au final rejointes par quelques accords dissonants d’orgue Hammond et d’extraits audio de vieux films. C’est l’occasion de mettre l’accent sur le très bon usage fait de ce son cérémonieux au possible du Hammond, parfaitement adapté à la musique du combo, et utilisé, précisons-le, avec parcimonie. Derrière un riff et une ligne mélodique bien efficaces, “Operation Mistletoe” dissimule ponctuellement une violence presque punk, bien servie par des vocaux puissants et gutturaux, sortes de cris de guerre mêlés à des complaintes agonisantes (un autre point fort de l’album). Pièce de choix de l’album, “Thee Imperial Wizard” vient traîner son gros quart d’heure au travers d’ambiances musicales variées, chacune portée par des arrangements de production parfaitement appropriés (samples vocaux, backing vocals, claviers, etc…), pour se clôturer par plusieurs minutes de clavier et de chants psalmodiés. Ambiance ! Et c’est ainsi sur les autres titres de l’album, qui recèlent chacun de bonnes surprises, même si la face B semble quand même moins “riche”, peut-être un peu plus austère. Evidemment on pense souvent à Electric Wizard, pas mal, mais aussi ponctuellement à des passages de Cathedral (période “Ethereal Mirror” jusqu’à “Endtyme” en gros), de Church Of Misery (pour les montées d’adrénalines et les fulgurances rythmiques notamment), de Coven pour les atmosphères occultes travaillées…
La semaine dernière Oliv’ (old time buddy comme y disent) m’a refilé un stock de CD qu’il aime bien pour que je découvre des trucs. Il est sympa quand même non ? Dans le lot il y en a un qui nous intéresse ici : The Atomic Bitchwax. J’ai l’objet dans les mains, j’ouvre un œil : pochette Stoner/Rock classique (fille en short, flipper, diable, couleur flashy). J’ouvre le deuxième : rien d’enthousiasmant mais la pochette est bien foutue donc rien à reprocher. Ah tiens ils ont fait preuve d’inventivité pour le nom de l’album : “3”. Marrant, ça me rappelle vaguement quelque chose quand même. Ca suffit la pignole, je fous le disque dans le lecteur et on se détend. Mais c’est cool cette histoire ! C’est frais, y a de la patate, du son bien pêchu et des compos bien ficelées. Ils ne réinventent pas la poudre mais font des mélanges qui sortent de l’ordinaire dans ce style (même si on va pas non plus être trop déboussolé hein). On trouve des plans hard-rock bien classiques, du punk propret mais bien amené, un ou deux plans à la Ween, qui m’ont surpris mais fait plaisir, un petit côté Clutch dans les rythmiques, ce petit quelque chose un rien Funk-Rock, Hendrixien quoi, si si, vous savez, le truc qui en temps normal ne passe pas, mais qui fait taper du pied quand c’est joué/écrit par les grands, et là, ben ça le fait justement. En parlant d’Hendrix, de temps en temps on a le droit au coup de la mélodie de gratte qui se mélange avec la voix, pareil, ça le fait bien ! Le tout dans une ambiance bien efficace et énergique, on sent qu’ils aiment ça, c’est un gros point positif pour moi et ça fait que l’ensemble prend une dimension vraiment agréable à écouter. Je vous passe le titre par titre, ça sert à rien, on écoute un album en entier ou on l’écoute pas. Donc, là ça tient carrément la route, pas franchement de point mort. De temps en temps l’oreille est plus accrochée qu’à d’autres mais ça roule tout seul et avec le sourire s’il vous plaît. Même si par moment on sent que ça s’essouffle, il y a toujours un plan ou une mélodie qui fait qu’on lâche pas, chapeau les gars ! A noter tout de même une reprise de Deep purple : “Maybe I’m a Leo”. Ils auraient pu l’écrire eux même, moi qui ne connaissais pas l’original, le morceau colle parfaitement dans l’album. Pour les techniciens, question enregistrement j’ai pas grand chose à reprocher. Parfait pour ce style, de la patate, de la clarté, etc. Chaque instru est bien identifiable et sonne comme il faut dans ce contexte. Au final, je le considère comme un bon album de Stoner/Rock sans prétention, bien foutu et pas prise de tête. J’en ai parlé avec mon médecin, il me conseille de l’écouter les jours ou il fait beau en me promenant en voiture (sans oublier de faire pendre son bras par la fenêtre).
J’avais acheté leur premier album complètement par hasard, sans doute parce que le logo m’était sympa, la typo bien psyché et l’ensemble suffisamment sobre pour que j’ai confiance. Une fois écouté j’ai pas réussi à décrocher, je suis tombé sous le charme de ce groupe. Un peu sceptique quant à la progression possible d’une musique si typée que la leur je me suis rapidement dégoté le split avec Year of no light pour voir si il y avait un avenir envisageable. Résultat : un morceau tiré de l’album et un en collaboration avec Year of no light… la nouvelle compo est très réussie mais pour juger de leur capacité à évoluer on repassera ! C’est donc encore un peu méfiant et suspicieux que j’ai commandé ce fameux EP : “Be my guide” L’artwork est bien choisi et leur univers commence à se préciser. On est dans la continuité du premier album, couleur passée, paysage martien, ciel en feu, et voilà. La pochette et la sous pochette du LP sont d’une qualité et d’une épaisseur qu’on croise rarement (comme pour “Push the sky away” de Nick Cave par exemple), le disque en lui même est également bien gras, 180 gr. On ne se moque pas de son public chez Mars Red Sky ! On a fait le tour. Vivement le prochain album, je suis rassuré quant aux possibilités du groupe à évoluer et à savoir avancer. Mon coach personnel me glisse à l’oreille un petit conseil d’écoute : ne pas hésiter à emmener ce disque lorsqu’on ira voir grand mère dans les landes afin de se le passer en boucle sur la plage accompagné d’une (ou deux) bière au piment.
D’emblée on pense à John Lee Hooker, Charley Patton, Seasick Steve et compagnie, le delta quoi. Mais il ne faut pas s’arrêter là, c’est bien foutu ma bonne dame, on ne se contente pas de refaire la même chose que les autres, on mélange un peu tout ça et par dessus on y met sa grosse voix. Ben oui, le monsieur (qui est tout seul derrière ce groupe au passage) chante avec une voix qui évoque Tom Waits ou plus récemment Steve Moss de The Midnight Ghost Train. Encore une fois il ne s’arrête pas là et réussit à placer des lignes de chant plus clairs et mélodiques qui viennent remplacer la grosse voix blues arraché ou encore s’y superposer. Perso je suis assez bluffé et enthousiasmé par le rendu . Le disque est homogène, il n’y a pas vraiment de point faible, tout s’enchaîne correctement et on ne trouve pas le temps long. Les morceaux aux ambiances blues profond, épuré, avec juste une gratte, un peu de chant et un pied qui bat la mesure apportent des respirations bienvenues qui permettent de relancer sur des morceaux plus modernes (il y a même des passages où la musique m’a évoqué Ben Harper). Bref, que du bon dans cet album, pas de compo superflue ou de remplissage. Pour me faire une idée de la pochette je ne dispose que d’un fichier jepg qui reprend le coté face donc ça sera bref : une peinture représentant un alligator avec un enfant/shaman sur le dos, le fond est très réussi, le ciel et l’eau se fondent l’un dans l’autre et on pense vaguement à Edvard Munch. Pour le logo : une typo simple mais qui fait bien l’affaire. Sur les conseils de mon oto-rhino, le plus adapté pour une écoute de qualité est de se placer au croisement de deux chemins de terre dans un coin relativement aride, de porter un chapeau de type Stetson, une chemise blanche légèrement ternie par la poussière emportée par le vent et de se coincer une cigarette sans filtre dans le coin de la bouche (le premier qui se prend Robert Johnson ferait bien de surveiller son âme).  En apprenant que Doctor Doom avait été retenu pour participer au DesertFest Berlin 2014, on a été voir un peu de quoi il s’agissait, interloqués de n’avoir presque jamais encore entendu parler de ce combo. Doctor Doom est un quatuor basé dans la profonde Ariège, une région aussi réputée pour ses groupes de rock que la Bretagne pour sa choucroute garnie. Formé il y a trois ans à l’initiative de son duo de guitaristes, désormais armés d’une section rythmique carrée, ils se sont attaqués à l’enregistrement de leur premier album, dont la parution est prévue pour dans plusieurs mois. En attendant, on n’a que ces trois titres à se mettre sous la dent… Doctor Doom, comme son nom l’indique… ne fait pas vraiment de Doom ! En tout cas pas comme on l’entend communément… Le genre musical qu’ils pratiquent est assez loin des contrées lugubres typiques des atmosphères doom. Pourtant, l’intro très lourde de “The Sun” qui entame les hostilités nous aura fait douter quelques instants. Mais très vite, un lick de guitare presque sautillant vient amener cahin-caha le titre vers des sphères plus orientées rock vintage. Le chant de Jean-Laurent est efficace, sans flamboyance, il assure. Mais la vraie substance du combo tient dans ce duo de guitares parfaitement imbriquées, chacune prenant occasionnellement des chemins différents (rythmique vs. lead) pour mieux se rejoindre ici ou là. On pourra tiquer un peu sur des passages de gratte typiques rock progressif (la partie démonstrative en moins) comme la montée de manche à la quatrième minute, mais on ne va pas cracher sur une poignée de secondes d’un titre par ailleurs intéressant. Plus accrocheur encore est “Relax you’re dead”, avec son riff dynamique harmonisé et sa basse ronde. C’est bien écrit et bien exécuté, on pense à une sorte de mélange du Deep Purple des débuts avec le côté rock garage des Hellacopters milieu de carrière (le refrain !). Surprenant, mais le mélange fonctionne très bien. La deuxième section du morceau réserve une part de choix à divers soli plutôt bien foutus, se fondant dans une sorte de jam intéressante et prometteuse. “Stuck in the past” pour finir étire encore plus ses influences rock / blues rock (ce son de gratte…) avec une section solo encore plus connotée blues sur le second tiers du morceau. Après The Socks, on commence à voir poindre un second groupe français dans cette veine très connotée “vintage”, et on ne s’en plaindra pas, surtout quand la qualité est au rendez-vous, et que la démarche musicale apparaît, comme ici, intègre et authentique. Ca joue bien, les trois compos sont bien foutues… Evidemment on en attend plus ! On peut aussi imaginer, au vu de la place réservée aux passages instrumentaux, que sur scène la musique de Doctor Doom gagne encore en efficacité, se reposant sur des musiciens talentueux. Attendons donc leurs prochains passages sur les planches et leur prochain (premier) album pour cette double confirmation. Un vrai potentiel à surveiller pour les prochains mois. Laurent  On va se le dire : on est tombé des nues il y a quelques mois, lors de l’annonce de la signature chez Small Stone de The Socks, un groupe français, avant tout, mais surtout… peu connu ! Etrange sentiment que cette fierté de voir décidément, après Abrahma, un autre groupe de l’hexagone ainsi reconnu, mais une fierté mélangée d’une vraie surprise : on ne peut pas dire que ce combo ait beaucoup fait parler de lui avant de remporter ainsi la timbale. Peu de concerts en France, peu de “buzz” (le groupe originaire de Lyon ne bénéficie pas du petit microcosme bien dynamique centré sur Paris et quelques autres villes), un nom du groupe franchement ridicule… Pourtant, le quatuor s’est construit une petite carrière modeste mais robuste, traçant sa route et travaillant sa musique pour aboutir à son premier album après plus de quatre ans de carrière… direct chez Small Stone, donc, excusez du peu ! Une fois engloutie la galette donc, là aussi, surprise : le groupe évolue dans un hard rock complètement 70’s, ils se vautrent dans un blues-rock graisseux nappé de stoner old school, un genre musical qui clairement les place dans la mouvance très porteuse de tous ces groupes “revival” (Graveyard, Uncle Acid, Horisont, Kadavar, etc…), dont on ignorait avoir un représentant en France. Pour autant, nos frenchies ne copient pas : leur musique détonne par ses orientations plus rock, plus brutes parfois. Tout en gardant cette chaleur et cette prestance polie toute british vieille école du rock (genre Zeppelin milieu de carrière), on sent poindre quelques débordements plus violents ici ou là, qui laissent penser que la carrosserie nickel de cette vieille Rolls anglaise sobre et distinguée cache en fait un gros V8 trafiqué bien crasseux. Mais le plus étonnant encore – et ce constat n’intervient que passées plusieurs écoutes – c’est la maturité de ces compositions. Impossible pour autant de les catégoriser, tant l’on évolue entre diverses ambiances et trames musicales. On prendra pour exemple “Some Kind Of Sorcery”, qui entame sur une première moitié complètement stoogienne, avant de verser dans une tonalité plus heavy à la Sabbath et de finir sur des ambiances psyche. Chaque titre, sans jamais virer au “fourre-tout”, peut ainsi se frotter à plusieurs sonorités, sans jamais perdre en cohérence ni en efficacité. Musicalement, l’album est marqué par la personnalité du vocaliste Julien, développant cette tessiture délicieusement éraillée et occasionnellement nasillarde, impeccablement puissante, qui laisse sa trace sur chaque morceau (sans accent français pourrave, précisons-le). Ca ne cache pas le travail remarquable du duo de gratteux (dont Julien) qui enquillent leads et riffs comme s’il en pleuvait, et jamais dans la démonstration. Ecouter par exemple le redoutable “New Kings”, emmené par un gimmick de guitare de quelques secondes (intro et outro) en trois malheureuses notes, jouées de manière presque tremblante, voire hésitante – ce détail montre un parti pris couillu, là où la plupart des combos plus “classiques” auraient fignolé ce passage pour le rendre complètement lisse et aseptisé. Le reste du morceau contient par ailleurs quelques succulents passages de wah wah. On pourra aussi citer, parmi d’autres, l’excellente “Gypsy Lady”, lardée de nappes de claviers qui nous renvoient direct au début des années 70 – des claviers que l’on retrouve tout aussi pertinemment sur l’avant dernière section du colossal “The Last Dragon”. Bref, vous l’aurez compris, même si le facteur “surprise” (le maître mot de cette expérience vinylique, vraiment) y est pour beaucoup, on est indubitablement là devant un vrai bon disque. Un disque ramassé (moins de trois quarts d’heure), paradoxalement rempli de plein de choses, un disque bien construit, bien écrit, bien interprété, et dans un genre musical qui ne trouvait jusqu’ici pas de réelle incarnation dans le paysage français. Remarquable. |
 
|
||||||||||||||
|
Copyright © 2004-2026 - Tous droits réservés |
||||||||||||||||
