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Lalaland 432
La spiritualité et les respirations comme moteur de progression, comme un mantra voir une obsession, une caractéristique plus que tatouée à peau d’intention chez Domadora et ce, depuis ses débuts.
Sans nouvelles depuis leur Lacuna de 2018, les parisiens se muant en un quintet complémentaire pour l’occasion, déroulent sous nos esgourdes attentives, The U Book, un recueil de sueur, d’acide, de miel et d’envie pour qui saura fermer les yeux et se laisser emporter par la succincte mais fleuve track-list de ce nouvel opus.
La sueur donc, mue par le morceau d’intro, digne et fidèle représentant de la patte Domadora. Un long solo de guitare frénétique, enjoué et versatile se déploie sur une base solide s’attelant à tresser ses discrets mais solides motifs rythmiques sur plus de neuf minutes. C’est le ventricule gauche d’un Earthless qui bat la chamade en guise d’amuse-gueule électrique.
L’acidité ensuite, car en en se laissant pénétrer par les cinquante minutes que représente le duo « Following the Teachings – Spiritual Seeds » difficile de ne pas entrer dans une transe buvardesque à se dervichetourner l’équilibre. Les contrepoints rythmiques habituels et fondations routines à l’expression de la guitare sont, ici, les éléments centraux. Psalmodiés à la déraison, ils nous convient à une écoute de tous les instants, alerte et curieuse. Le champs sonore plus libre qu’à l’accoutumée permet à la section rythmique de s’épanouir et de s’exprimer sans retenue. On notera au passage le remarquable travail du nouveau venu Ardwel Courta sur l’ensemble de ce paysage sonore.
Le miel pour le moins mais la douceur tout de même étonnamment apportée par le titre éponyme qui voit les parisiens jouer une partition qu’on ne leur connaissait pas ou plus. Celle de l’accessibilité, qu’on n’avait pas entendue depuis le titre « Chased and Caught » paru sur Tibetan Monk. A savoir une musique dépouillée de toute complexité et d’intentions multiples, juste portée par la mélodie et la volonté de faire dans l’efficacité. « The U book » le titre est d’une simplicité touchante et épurée, où la guitare aux accents Mark Knopfleriens fait des miracles quant à l’interprétation de son propos. Par trop gourmande sur la durée, la piste se pare tout de même de jolies entournures sucrées apportant une vraie chaleur à l’ensemble du nouvel opus.
L’album est un concentré de plaisirs, sans contraintes, ni barrières stylistiques. En délaissant la guitare solo à outrance pour plus de paysages sonores, Domadora s’ouvre un champs des possibles absolument vertigineux et excitant. Un terrain de jeux où l’on entend véritablement sourire les musiciens. Et même s’il est parfois trop gourmand et décousu, The U book est un voyage sans pareil pour les adeptes de jams et de libertés, un livre musical savoureux qu’il nous tarde de goûter en live sans plus tarder.
L’album de reprises est toujours un exercice périlleux… Et encore, le mot est faible ! En effet, quelle que soit sa fonction ou son idée de départ principale, il décevra dans la majeure partie le public ! Un album de reprises est censé rendre hommage à un groupe ? Les fans vont passer leur temps à dénigrer les reprises, sous prétexte qu’elles « sont moins bonnes que les originales », qu’elles « dénaturent complètement les chansons » ou encore qu’elles « ressemblent tellement aux originales que ça ne sert à rien de faire un copier-coller »… Un album de reprises propose des relectures de titres moins connus ? « C’est nul, ils auraient pu reprendre des titres connus ! »… Un album de reprises propose des relectures de tubes intemporels ? « Ils auraient mieux fait de reprendre des trucs qu’on ne connait pas, cela aurait permis de faire découvrir la discographie du groupe ! »… Bref, l’album de reprises est très rarement bien considéré et bien souvent (et à raison) dénigré des fans du groupe de base qui ne jurent que par les originaux.
Autant dire que l’arrivée sur le marché début décembre de 2 albums de reprises consacrés à AC/DC aura donné quelques sueurs froides aux fans des australiens (dont je suis) avant même la moindre écoute. Pourtant, il y avait de quoi se rassurer : le label, Magnetic Eye records, n’est pas le premier venu et a déjà enfanté quelques cover albums du même tonneau, notamment ceux d’Alice In Chains, Electric Ladyland de Jimi Hendrix ou encore Pink Floyd. Ensuite, il y a le choix des reprises : outre un album composé de reprises tirées de toute la discographie du groupe, on découvre un Back in Black redux reprenant l’intégralité de l’album hard rock le plus vendu de l’histoire. Enfin, le casting : Red Fang, Howling Giant, Jakethehawk, Domkraft, Red Mesa, Solace, Kal-El, Kryptograf… Une belle armée de tâcherons entièrement vouée à la cause fuzz. Du coup, on se dit qu’on va se régaler et qu’AC/DC sera fier de l’hommage. Le résultat est… mitigé.
Commençons donc par évoquer ce Best of redux à l’artwork assez réussi. Witchskull ouvre le bal avec un Sin city convaincant, en tout cas totalement dans l’esprit hard blues d’AC/DC. Puis mes chouchous de cette année, les norvégiens de Kal-El, dynamitent “It’s a long way to the top (if you wanna rock’n roll)” à leur façon, c’est-à-dire avec un mur surpuissant de fuzz. Puis l’album perd en relief et en intensité (notons malgré tout la belle version de “Bad boy boogie” par Kryptograf) jusqu’à “For those about to rock (we salute you)” reprise de fort belle manière par Riff Lord, suivi par l’incontournable “Whole lotta Rosie” dans une version survitaminée de Solace. Le reste de l’album est anecdotique (mais plus que correct), hormis peut-être le démoniaque la démoniaque version de “The razor’s edge” par Ghost Ship Ritual. Entre nous, tant qu’à faire un best of, j’aurai aimé un petit “Let there be rock”, “Highway to hell” ou “Thunderstruck”… Bref, du très bon et du moins bon mais dans l’ensemble, ce Best of redux reste recommandable aux fans d’AC/DC, de cover albums et de stoner qui découvriront leurs groupes préférés sortir de leur zone de confort.
Passons maintenant à ce Back in black redux qui fait, au premier abord, autant saliver qu’il inquiète. C’est vrai quoi, les légendes sont tenaces et difficile de ne pas redouter un carnage, surtout quand on découvre que ce sont les tarés de Red Fang qui ouvrent l’album ! Et ce qui devait arriver arrive : ils ont réussi à pourrir “Hell’s bells” ! On a l’impression qu’ils jouent affreusement faux (c’est sans doute voulu vu la propension du groupe à ne jamais rien faire comme tout le monde) mais alors là, on atteint des sommets de portnawak ! Heureusement que “Shoot to thrill” n’a pas été trop écorné par Howling Giant sinon je criais au scandale dès le deuxième titre ! Le reste n’est qu’une succession de déceptions (on attendait mieux de Jakethehawk sur “You shook me all night long” et je resterai poli avec Besvarjelsen et leur embarrassante version de “Back in black”…) et de reprises moyennes. Bref, on reste grandement sur notre faim, voire même on ressent une pointe d’agacement parce que merde, le matériel original permettait un bien meilleur résultat !
Voilà, comme je le disais plus haut, difficile de ne pas décevoir l’auditeur avec un album de reprises, surtout quand ledit auditeur est un fan inconditionnel du groupe original. Mais ces deux « Redux » ont le mérite d’exister et de proposer une relecture qui, si elle ne sera pas appréciée par tout le monde, aura sans doute permis à de nombreux groupes d’approcher un groupe légendaire pour beaucoup. Reste à vous faire une idée par vous-même mais pour ma part, ces quelques écoutes nécessaires pour cette chronique resteront sans suite…
Le stoner italien n’est-il pas un peu la Madeleine de Proust du vieux con amateur de riffs fuzzés depuis plusieurs décennies ? Il y a un peu de ça avouons-le, une sorte d’assurance tous risques musicales, la valeur refuge de l’investisseur en riffs : quelque chose de stable et rassurant, et même parfois qualitatif (quand il est bien fait) ! C’est avec ce constat tout à la fois nostalgique et encourageant que l’on s’est penché sur le déjà quatrième album du trio familial nord-italien – un effort qui aurait bien pu être refroidi par la qualité très discutable de cette pochette (ou même par le sobriquet-même du groupe, quelque peu risible).
Il ne faut pas très longtemps pour retracer la genèse musicale référentielle du groupe : le trio a dû user Sky Valley pendant quelques heures, et en particulier le guitariste Juri Tirelli (le frère de Jacopo, bassiste), qui parvient à faire résonner les échos du vieux Josh Homme dans la plupart de ses riffs (même si c’est aussi dans ses breaks par exemple que l’influence du quintessentiel quatuor américain se retrouve). Pour le reste, Prehistoric Pigs évoluant dans le genre finalement assez couru du stoner rock instrumental, il réveille évidemment aussi, plus rarement toutefois, le souvenir de Karma To Burn (sur “The Fourth Moon” par exemple).
Si l’inspiration Kyussienne n’est pas du genre à vous rebuter, vous devriez trouver dans cette galette d’un peu moins de quarante minutes de quoi prendre votre pied : du riff, du riff, du riff, du fuzz, du fuzz… La recette proposée n’est pas compliquée, mais le résultat pris en frontal, au premier degré, est franchement plaisant.
Depuis une dizaine d’années, de nombreuses formations, souvent américaines, synthétisent le son et la mélancolie des 90’s (Type O Negative, Life Of Agony, Paradise Lost) avec un riffing et des arpèges rappelant la décennie précédente. Souvent classées dans le Doom mélancolique, elles brassent de nombreuses influences (emprunts aux styles extrêmes, formats et structures purement heavy, voix plaintives, thèmes et artworks renvoyant au années 80 etc.). Ces groupes se nomment Pallbearer, Spirit Adrift, Summerlands, Atlantean Kodex (voire Inter Arma quoique plus énervé) et Khemmis donc, formation qui semble faire consensus de l’autre côté de l’atlantique, poussée notamment par Decibel Magazine. Il faut dire que si ses albums ont à mon sens été plus encensés que ce que leur musique mérite, la démarche elle est incontestablement sincère et les visuels des albums (tous signés par Sam Turner) superbes. Khemmis est de ces groupes que l’on a envie d’aimer mais qui nous tombent malheureusement trop des oreilles. Trop d’albums, trop peu de bons riffs derrière la jolie façade et le plaisir affiché. Mais les quatre de Denver (enfin temporairement trio suite au départ récent du bassiste) ont tout de même une intéressante tendance à s’améliorer avec le temps et Desolation, paru en 2018, dépasse d’une tête ses deux prédécesseurs, peut-être aussi parce qu’il s’enfonce – comme son nom l’indique – un peu plus dans la noirceur. Plus doom que heavy quoi.
Et sur ce terrain-là, Deceiver est roi. La pochette, avec ce chevalier s’enlisant inexorablement dans des marais où règnent mort et regrets, ne trompe pas sur la marchandise. Deceiver est un disque plein de tristesse. Composé lors du confinement (la grande constante des albums de 2021, il faut s’y faire), le quatrième long du groupe est un abysse de noirceur. L’ombre de Tom Waits plane sur les paroles de Phil Pendergast et le riffing quitte les terres maideniennes des débuts pour quelque chose de plus gros, de plus lent, de plus au fond du temps. Cette recherche de solennité a de quoi séduire, même si le groupe paye sur cet album un lourd tribut à ses influences, Paradise Lost (« House of Cadmus », « Obsidian Crown ») et Yob (le riff de « Living Pyre » est clairement celui de « Quantum Mystic ») en tête. Force est de constater que de nombreux riffs, de nombreux refrains accrochent et que l’album a une jolie durée de vie, plus que ses trois prédécesseurs. Les lignes vocales de Pendergast – le point faible du groupe jusque-là par leur aspect monocorde – sont plus travaillées et certains refrains ici sont de vrais bijoux (« Shroud of Lethe », « The Astral Road »).
Deceiver est une sorte de Medusa (Paradise Lost/2017) en plus sophistiqué, mais moins attachant. Parsemé de moments forts et de quelques passages un poil indigestes (la ligne vocale de « Shroud of Lethe », quel enfer), l’album – qui a l’élégance de ne faire que 40 minutes – propose enfin une musique à la hauteur de son visuel. Reste que Khemmis gagnerait franchement à moins chercher la majesté (il n’en a pas le talent) et à explorer le mélange des genres qu’il effleure sans avoir trouvé la formule qui lui va le mieux. Et si le prochain était le bon ?
Point Vinyle : La sortie vinyle, sans cesse repoussée (avez-vous remarqué les problèmes d’approvisionnement terribles qui ont bouleversé tous les calendriers de livraison cette fin d’année ?) arrive à priori pour fin décembre. Outre la version noire, une version blanc os avec splatter rose – plutôt jolie – est dispo dans toutes les bonnes VPC metal, Nuclear Blast en tête. Mais le Graal reste la version limitée grise avec splatter noir, surtout parce qu’elle est accompagnée d’un booklet avec les paroles et de nombreuses illustrations additionnelles de Turner.
En bientôt dix ans d’existence on peut aisément dire que le parcours des polonais de Weedpecker est loin d’être un long fleuve tranquille. La formation aura vu passer en ses rangs une quasi dizaine de musiciens différents jusqu’à cette césure importante post-2018 et la sortie de « III » leur troisième album (oui je sais), qui aura vu les ¾ du line-up dire « bye-bye tu n’es plus le seul qui m’aille, je te le dis sans faille » au projet. Ne restant plus que Piotr Dobry aux commandes, au chant et à la guitare, le groupe semblait donc mort laissant derrière lui trois excellents albums, une démo et un split ainsi qu’une participation active à faire de la scène polonaise un des moteurs du genre.
Néanmoins Piotr aura su s’entourer très rapidement de nouveaux partenaires pour poursuivre l’aventure et non des moindres puisque l’on retrouve dans cette nouvelle mouture des zicos de Dopelord, BelzebonG et Major Kong, soit une belle bande de bourrins à la technique éprouvée. Ne restait plus au nouveau line-up qu’à parfaire son identité et trouver ses automatismes afin d’offrir une suite à l’histoire.
Trois ans après leur dernier effort apparaît donc « IV : The stream of forgotten thoughts », toujours chez Stickman Records, le label des gens qui aiment quand ça tricote dans le psyché (King Buffalo, Elder, Motorpsycho,…ça vous pose la qualité de la maison). On pourrait aisément imaginer un nouvel album moins aérien et plus terreux que les précédents vu le pedigree des nouveaux arrivants sauf que…
Exit le duo guitare et place à un synthé pérenne et instrument à part entière dans la nouvelle formule. S’en suit donc un travail sur les textures et les ambiances plus poussé qu’à l’habitude qui trouvera son apogée sur le titre éponyme participant grandement à l’une des track/réussite de cet album.
Cependant, cet apport sur l’ensemble de l’album se révèle problématique. Une spatialisation extrêmement dense apportée par les traitements de son sur la voix, la guitare et le synthé englobe la totalité de la production et rend illisible un nombre incalculable de fois les idées et envies des musiciens. On se retrouve, à l’instar du premier morceau « No Heartbeat Collective » à devoir gérer notre écoute pour pouvoir appréhender la globalité des titres. Un problème récurrent qui lasse sur la totalité de l’album.
Sans compter l’effervescence créatrice du quatuor qui n’hésite pas à multiplier les pistes et ainsi brouiller un peu plus une éventuelle ligne directrice. Un « Big Brain Monster » en milieu de galette par exemple vient placer un heavy rock à la Radio Moscow alors que l’ensemble tend plutôt vers ce qu’aurait pu continuer un Kevin Parker après le premier effort de Tame Impala.
La masse d’informations que nous assène le combo et les choix de production écrasent dans l’œuf toute idée mélodique ce qui était pourtant la qualité première du précédent effort.
C’est peu dire qu’on ressort décontenancé et perplexe au sortir des quarante minutes de ce courant des pensées oubliées.
Bien sûr que non, Weedpecker n’est pas devenu nul, il n’a pas non plus oublié ce qui faisait sa force et son identité. Mais on sent une excitation trop peu maîtrisée dans cet album, une envie d’avancer et d’essayer de nouvelles choses avec le nouveau line-up qui aurait dû prendre plus le temps de mûrir et de s’épurer.
Si l’on considère cet enregistrement comme la suite logique d’une carrière, il déçoit. Passé par le prisme du renouveau, alors il interpelle et peut légitimement nourrir de beaux espoirs tant Weedpecker semble inspiré et talentueux. On ne demande pas qu’ils se précipitent pour nous prouver quoi que ce soit. Juste qu’ils prennent le temps de réfléchir à leurs envies.
Au tout début des années 70, le fan de rock était partagé entre 2 tendances musicales : d’un côté, un rock aux structures complexes et à la virtuosité instrumentale réelle mais fortement éloignée du rock des précurseurs. Une mouvance appelée rock progressif avec comme fer de lance des groupes comme Pink Floyd, Yes ou encore Genesis. De l’autre côté, un rock pur et dur qui, au contraire du progressif, prétend replonger dans ses racines blues et retourner vers plus de simplicité: il y eu bien entendu les Rolling Stones et Eric Clapton pour défricher le terrain, suivi rapidement par Led Zeppelin et Black Sabbath et le glam-rock de David Bowie. Quelques années plus tard, le rock progressif vivra ses dernières heures car il est devenu un cliché dont on se moque. Il faut dire qu’avec ses chansons à tiroirs de 20 minutes, ses concerts expérimentaux et son côté « art contemporain qui pète plus haut que son cul », le prog est devenu une sorte de maladie honteuse qui finira par être totalement éradiquée par l’explosion punk qui attend sagement son heure au coin de la rue.
Cette période dorée pour le rock enfantera des centaines, voire des milliers de formations qui se revendiqueront (plus ou moins) de cette glorieuse période mais bien peu évoqueront des influences progressives dans leur musique, à part peut-être dans le post-rock, terrain de jeu fertile de musiciens à l‘imagination fertile. L’époque est au « toujours plus » et il faut montrer les muscles plutôt que les neurones afin de capter un auditoire toujours plus friand de guitares saturées, de grondements de basse telluriques et de cogneurs de fûts. Heureusement pour celles et ceux qui ne jurent pas (que) par la puissance, il existe des alternatives et la plus belle d’entre elles se nomme King Buffalo.
Car oui, King Buffalo n’est décidément pas un groupe comme les autres, et pas seulement dans la petite sphère stoner. Nos trois camarades New-Yorkais ont débuté leur aventure en 2013 et marqueront les esprits trois ans plus tard avec Orion, un premier album aux allures de chef-d’œuvre. Suivront des albums toujours surprenants, à la fois oniriques et palpitants, qui finiront d’inscrire le groupe au panthéon des grandes formations rock contemporaines. En 2020, la pandémie stoppe les beaux élans de toute l’humanité. Mais le trio ne se laisse pas impressionner par un microscopique virus et se lance dans une folle aventure : réaliser 3 albums coup sur coup qui sortiront l’année suivante ! Un pari osé et complètement dingue, comme au bon vieux temps des seventies. The burden of restlessness, paru en juin, lance les hostilités et le public s’agenouille devant King Buffalo. Après ce coup d’éclat, que pouvaient-ils faire de mieux, de plus grand, de plus osé? La réponse tient en un seul mot : Acheron.
Pour enregistrer cet album, le groupe a choisi un endroit insolite : une grotte, pour se couper d’un monde extérieur en pleine mutation mais aussi et surtout pour la réverbération naturelle des lieux. Le terme « underground » n’est pas qu’une métaphore… Par moments, on distingue même le murmure des gouttes d’eau… La source de toute vie apparaît sur ce disque matriciel, car Acheron rebat toutes les cartes, efface tous nos repères, nos convictions et nos croyances dans un genre qui, s’il a tendance à s’élargir à d’autres courants musicaux, finit parfois par perdre son auditoire. Avec Acheron, King Buffalo a réussi son pari fou : poser les bases d’une nouvelle ère musicale, d’un nouveau monde qui ne serait plus régi par l’argent (le troisième opus de cette trilogie, prévu pour cette année, sera finalement décalé à l’an prochain car les usines préfèrent débiter du Adèle…) mais par quelque chose de plus viscéral, de plus naturel, de plus vivant : le talent, l’envie, la créativité.
Acheron est une pure merveille du début à la fin. 4 titres qui s’enchaînent à la perfection, comme ces gouttes d’eau ruisselantes de murs millénaires, qui caressent la pierre tout en la polissant en douceur. Tout comme King Buffalo avec nos oreilles et notre âme (D’ailleurs, Acheron désigne une branche de la rivière souterraine du Styx dans la mythologie grecque). Le groupe est véritablement au sommet de son art et personne ne viendra le contester. Cet album est une réussite totale, que ce soit au niveau des compositions simples (mais pas simplistes) qui vous touchent en plein cœur à la production juste parfaite. Vous qui avez toujours rêvé de tutoyer les étoiles et de voyager dans l’espace, deux solutions s’offraient jusqu’ici à vous : soit vous avez Bac+17, vous bossez à la NASA et vous montez dans la prochaine fusée pour l’ISS, soit vous avez 20 millions de dollars sur votre compte en banque et vous les gardez pour vous offrir un billet pour la future colonisation de Mars. Avouez que dans les 2 cas, les probabilités sont assez minces… Heureusement, il vous reste King Buffalo, et Acheron est appelé à devenir le Dark side of the moon du 21ème siècle. Fermez les yeux, attachez vos ceintures et laissez-vous happer…
Alors que la période actuelle continue de nous exciter, créant autant d’experts tout terrain que de citoyens, et faisant flipper ceux qui restent, 8 musiciens se sont calmement enfermés dans leur bulle créative pour jammer, composer et nous proposer un voyage différent. A Story of Darkness & Light (“une histoire d’obscurité et de lumière”) est le premier album d’une rencontre devenant inévitable et qui se présente sous le nom d’Eldovar… Dans l’obscurité se cache Kadavar avec son rock psychédélique malsain et distordu. Dans la lumière brillent les mélodies d’Elder s’appuyant sur un rock progressif massif qui dépasse les limites du stoner depuis Reflections of a Floating World. Plutôt par conséquence de la pandémie du COVID-19 que par hasard, les deux groupes se sont retrouvés à Berlin au même moment. Kadavar tournant en rond dans son Robotor Studio, depuis la sortie de The Isolation Tapes, tandis que Nick Disalvo et Michael Risberg (Elder) venaient d’enregistrer le premier album de Delving, projet solo de Nick. On regrettera tout de même l’absence du bassiste d’Elder, Jack Donovan, qui n’a pu traverser l’Atlantique mais qui aurait pu apporter un complément très intéressant au travail de Simon.
Avant d’aller plus loin, il faut quand même prévenir les fans originels de cette association que ce qu’ils vont écouter ne va pas forcément exaucer leur fantasme de voir un mélange entre Lore et l’album éponyme de Kadavar. Elder comme Kadavar se sont détachés progressivement de cette image stoner/psychédélique au fil des albums et A Story of a Darkness & Light est d’une cohérence totale avec cette évolution. Et pourtant, le premier single “From Deep Within” ouvrant l’album aura laissé quelques espoirs avec des riffs efficaces et cette variation d’ambiances maîtrisée par les deux groupes. Le mariage sonne déjà comme un succès notamment dans l’alternance entre le chant de Lupus et de Nick.
L’album se scinde en deux parties bien distinctes. “In The Way” conserve une certaine innocence presque enfantine avec première partie guidée par une guitare acoustique et la voix de Lupus qui tendent vers le folk rock des années 70. On pense très rapidement à Led Zeppelin mais d’autres références viennent aussi chatouiller nos oreilles. Ce morceau fait par la suite plus écho à ce qu’à pu proposer Elder sur ses Gold & Silver sessions. On remarque que cette première partie semble plus se reposer sur un rassemblement des jams qu’ont pu produire Kadavar et Elder, déjà avec les différentes phases de “From Deep Within” mais aussi avec les fins un peu brutales de “In the Way” et “El Matador” qui laissent un goût d’inachevé (surtout avec la suite de morceau qui arrive avec “Rebirth of the Twins”). Bien qu’il ait pu décontenancer certaines, “El Matador” va lui permettre la transition vers la seconde partie de l’album avec son atmosphère plus mélancolique et mystérieuse.
Car si Eldovar diffusait jusqu’ici une certaine lumière, il ne faut pas oublier que c’est une histoire de lumière et de ténèbres ! On va d’abord retrouver les sonorités krautrock chères à Elder sur “Rebirth of the Twins”, venant doucement éteindre les derniers rayons laissés par “El Matador” avant que “Raspletin” nous propulse dans une obscurité spatiale à coup de guitares saturées. Le décor s’assombrit encore un peu plus sur l’intro de “Blood Moon Light” avant de passer de nous plonger définitivement dans des ténèbres apocalyptiques. “Blood Moon Light” est la vraie réussite de A Story of Darkness & Light. Faisant de gros échos au Pink Floyd époque Dark Side of the Moon, le titre est maîtrisé de bout en bout et apporte enfin, grâce au couple batterie/basse, la puissance et la profondeur de son que l’on pouvait attendre d’une association entre ces deux groupes. L’album se termine par “Cherry Trees”, qui vient balayer l’obscurité de ces derniers titres avec une très belle mélodie au piano accompagné d’un chant voilé rappelant que le cerisier est aussi associé au phénix et à la renaissance (au final, la lumière et la paix l’emportent sur les ténèbres. Un poil naïf mais ça ne fera pas de mal en ce moment).
A Story of Darkness & Light est un bel album… Un très bel album même qui révèle ses secrets à force d’écoutes et qui dégage une vraie force introspective si l’on arrive à se couper du monde pour se plonger dedans (à l’instar du projet Delving de Nick). Les univers d’Elder et Kadavar s’accordent naturellement, notamment sur “From Deep Within” et “Blood Moon Night” avec une alternance de chant intéressante et une construction des morceaux aussi intelligente qu’efficace. La fluidité entre les titres à partir de “Rebirth of the Twins” permet aussi de rentrer complètement dans l’univers proposé. A Story of Darkness & Light donne en tout cas envie de voir cette collaboration perdurer. Ce ne sera sans doute pas le cas mais on peut toujours rêver !
Motorpsycho n’est pas avare de créations. Là où les fans attendent parfois plus de dix, quinze ans que leur groupe préféré accouche d’une nouvelle production, l’amoureux transi des norvégiens n’a que très peu de temps de frustration à supporter, le combo nous gratifiant de son génie quasiment tous les ans. Et ce qui pourrait être une gageure se révèle systématiquement ou quasiment une réussite.
Alors quid de cette nouvelle livraison ? Nouvel opus magistral, continuité discographique cohérente ou accident de parcours ?
L’avantage d’un groupe comme Motorpsycho est qu’il aura déjà laissé de côté ses détracteurs à la vue de sa longévité. Les fans de stoner pur et dur, de gros riffs velus sont restés depuis longtemps à la buvette adipeuse de la salle du coin, regardant s’éloigner un ptit groupe de frêles fans vénérant le début des années 70 et sa cohorte de groupes de rock progressif.
« Kingdom of Oblivion » ne déroge pas à la règle. Compositions fleuve, entrelacs de ligne, cassures rythmiques, l’album est un creuset où les norvégiens y déposent cinquante années de réflexions sur le genre. L’amateur du style y retrouvera tous ces ptits amours, le néophyte sera subjugué par la richesse et le foisonnement, le détracteur, lui, soufflera d’ennui devant une telle profusion ne sachant pas où poser son oreille peu encline aux pièces montées.
En tant qu’amateur du genre, j’ai humecté la pulpe de mon index pour grapiller jusqu’à la dernière miette de noté laissé dans l’assiette-liste de ce nouvel opus. Un régal. Un régal justement équilibré et cohérent dans les menus proposés par ce restaurant étoilé qu’est Motorpsycho. Mais un menu qui n’apporte cependant pas de novatrices intentions ni de révolution stylistique.
Les norvégiens affinent leur grammaire, polissent leur ouvrage pendant plus de soixante minutes nous gratifiant d’instants-monde magistraux justifiant à eux-seuls la possession obligatoire de la galette dans une collection. Je vous conseille à ce titre l’écoute de « The Transmutation of Cosmoctopus Lurker , parfait exemple de la maîtrise géniale du combo et véritable image d’Epinal du style « Motopsycho ».
« Kingdom of Oblivion » est une pièce logique dans la discographie des quatre fantastiques de Trondheim. Pas novateur mais maîtrisé en tout point, le disque saura ravir les amateurs de King Crimson, de The Mars Volta, de Yes et autres hérauts de la cause progressive. Un album nécessaire pour les uns, rebutant pour les autres mais foutrement utile pour les amateurs du genre.
J’y colle un 8 pins sylvestre/10 parce que je ne suis pas sûr que les cactus soient super présent en Norvège.
Tel un secret bien gardé, Indigo Raven émerge de… Toulouse, d’où ils ont peaufiné leur style depuis un peu plus de deux ans, sous forme de duo : Julie au chant et Benoît à la “musique” (multi-instrumentiste présumé, donc…). Et c’est à peu près tout ce que l’on sait, autant vous dire qu’on ne croule pas sous les infos avec ce groupe ! On notera quand même qu’ils ont décidé de s’adjoindre les services d’un bassiste récemment (ne manque plus qu’un batteur et les perspectives de live se feront plus réalistes). Nos toulousains sortent ce premier LP (qui succède à un discret EP sorti l’an dernier) chez Argonauta (jamais loin d’un bon coup), un label… italien ! Un jour il faudra quand même se poser les bonnes questions, non ?…
Mais trêve de considérations hors sujet, la curiosité nous amène bien vite à s’enfiler cette galette, qui s’avère particulièrement captivante. Le doom très assumé par le duo trouve plutôt ses racines dans la vague doom européenne des années 90 que dans les groupes des années 70-80. Plutôt partisans d’une mise en son très travaillée et de compos roboratives, Indigo Raven ratisse pourtant fort large et s’inscrit dans son temps, n’hésitant pas à enrichir sa musique de plans proches du post-rock, ou même de séquences limite shoegaze/drone, mais avec toujours cette composante doom à grands coups de riffs massue et de rythmiques pachydermiques. Ce grand écart se retrouve parfaitement incarné dans le titre introductif “Our Sacred Soil”, tout en lourdeur et grandiloquence, ou ce tortueux et lent “Nightshade Winds”, vicieux et poisseux en diable.
Le signe distinctif majeur du groupe est inéluctablement le chant de Julie. Loin de se cantonner à un apport simplement cosmétique voire – pire – symbolique, les vocaux de Julie sont directement dimensionnant dans la musique du groupe : sa voix puissante et profonde vient apporter une vraie densité (voire même théâtralité) au doom du combo, tandis que ses percées plus légères et aériennes élèvent à la perfection les passages d’accalmie et les plages de respiration du disque (parfaitement opportunes pour contrebalancer l’aspect oppressant de certains compos). Sans parler des passages incantatoires shamaniques, qui, alliés à des plans de batterie quasi-tribale, finissent de peaufiner l’identité musicale du groupe…
Au rayon des déceptions, on regrettera tout de même la trop faible durée de ce disque : 37 minutes environ pour six chansons (dont une quasi a capella par Julie), aussi riches soient-elles, apparaît vite un peu frustrant (note : la version CD propose en complément une assez intéressante cover de Mazzy Star, transformée en bluette aux accents doom rappelant presque les regrettés Type O Negative sur la fin). Pour le reste, ce Looking for Transcendence présente des atours plutôt séduisants pour tout amateur d’un doom un peu classieux, lourd mais aussi subtil et finement travaillé. C’est aussi cela qui le rendra moins digeste pour les “trve”, les amateurs d’un doom plus monolithique et “encadré”. Indigo Raven en propose une vision plus ouverte, hybride, mais respectueuse du genre. On espère à ce titre que Looking for Transcendence représente les premiers pas d’un groupe amené à devenir plus actif, sur disque et sur scène.
The Sixth Storm, “la sixième tempête”, en l’occurrence aussi la sixième production long format de Count Raven… Le disque nous est tombé dessus sans crier gare, alors que l’on croyait le groupe mort et enterré pour de bon, douze ans (!!) après un Mammons War qui, s’il était loin d’être mauvais, commençait quand même à sentir la naphtaline… Faut dire que des groupes de doom qui ont débuté dans les années 80 et qui restent actifs et pas ridicules, on peut en compter sur les doigts de la main du Baron Empain. Count Raven en fait partie, et pourtant ils n’ont jamais vraiment réussi à se hisser au statut culte qu’ils méritent. La faute à quoi ? Une discographie sans faux pas mais sans album de référence évident, un line up instable, bon nombre de splits et autres interruptions de carrière pour des durées plus ou moins claires, une présence scénique famélique… Et pourtant, donc, le groupe trace sa route, se relève après bientôt 35 ans d’existence, et sort dette sixième offrande, que l’on a écouté, reconnaissons-le, un peu à reculons… Le risque de déception était fort : qu’attendre finalement d’un groupe qui évolue dans le même cadre musical depuis plus de trois décennies, qu’ont-ils encore à proposer ?
Déjà, il convient de prendre acte du line-up : le quasi-despotique leader Dan Fondelius est toujours épaulé de la même section rythmique depuis une demi-douzaine d’années, c’est un symptôme de stabilité remarquable dans la carrière du groupe. La recette n’a pas changé au moins depuis le début de ce siècle : ça reste lui qui porte le son Count Raven, au chant et à la guitare. Côté guitare, Count Raven est et reste un groupe à riffs, et The Sixth Storm n’y déroge pas, loin s’en faut, ils s’y comptent à la pelle : “The Nephilims”, “The Giver and the Taker”, “Baltic Storm”… C’est bien simple, chaque titre s’appuie sur un ou plusieurs riffs aussi solides qu’efficaces. Côté vocaux, son chant reste percutant, détonnant dans le paysage du doom moderne, avec une vraie personnalité. C’est (et ça a toujours été) l’un des principaux signes distinctifs du groupe, l’une de ses forces. La prouesse principale de Fondelius tient encore plus dans sa capacité à proposer des mélodies vocales fortes et vraiment marquantes. C’est d’autant plus utile qu’il n’y a qu’une guitare chez Count Raven, les vocaux permettant de compenser le manque de guitare lead sur certains plans.
Quand vient le moment de comparer ce sixième opus à ses cinq illustres prédécesseurs, on en arrive invariablement à le trouver dans leur parfaite continuité. Déjà, avec 1h15 de musique, les suédois se montrent encore une fois généreux. La quantité est là mais la qualité est aussi au rendez-vous : sans se réinventer, le trio sonne bien (j’ai failli écrire “moderne”…) et écrit bien. On trouve bon nombre de petites perles de créativité disséminées ici ou là, refrains hyper catchy et autres joyeusetés venant démultiplier l’intérêt des titres. Prenez “Blood Pope” par exemple : non content de lâcher un gros riff dès l’intro du couplet, ils se permettent de tronquer la chanson en plein milieu par un break heavy et malin, un peu venu de nulle part, et de finir en mode doom sabbathien bien dark. Forcément, on est moins fans des titres mielleux dont le Comte Corbac a coutume, ici un bien dégoulinant “Heaven’s Door”, puis une clôture sur le prophétique “Goodbye”, longue bluette à cordes et piano bien dégueulasse. Mais laisser ces titres faire ombrage à quelques autres pièces maîtresse serait purement malhonnête, et on vous redirigera vers les très massifs “Oden” (épique ET lent, si si) ou “The Nephilims” (plus de 10 minutes d’un titre à tiroirs assez remarquable) pour le constater.
On s’attendait honnêtement à trouver un album de vieux doomeux bedonnants, exsangues d’inspiration, à rabâcher leur Sabbath en pantoufles. On trouve finalement un trio qui s’assume dans son genre (dont il est désormais l’un des derniers défenseurs actifs dans la scène musicale actuelle), à l’aise, et surtout… pertinent ! Count Raven ne sonne pas daté ! Bien au contraire, ils font montre d’un talent renouvelé pour les compos doom old school à rallonge, à haute teneur riffique. Une très bonne surprise, et fondamentalement un très bon album de (vrai) doom.
Déjà six années d’existence, deux captations live et un second album à compter de maintenant pour Djiin le quartet de Rennes et Nantes. Peu de productions studio pour ce groupe certes mais il est loin d’avoir oublié de retenir notre attention lors de ses préstations scéniques, comme ce fut le cas à Bégles en 2019 au What’s in the wood Festival ou plus récemment en 2021 aux Volcano Sessions Vol.6. C’est avec curiosité que je suis allé poser mes esgourdes sur Meandering Soul et voir si le l’esprit du live avait transpiré dans cet opus alors que pour être tout à fait honnête j’étais resté un peu sur ma faim avec le précédent album (Sans même bien savoir pourquoi d’ailleurs.)
C’est une plongée dans une atmosphère mystérieuse en clair obscur dès les premières notes de “Black Circus”. Une musique qui sait être immersive et confiner au mystique comme avec l’intro de “Warmth of Death” puis les chœurs de son outro. “White Valley” comme “Void” de leur côté jouent de la puissance des effets des instruments électrifiés. Le tout se mêlant à un sel orientalisant, marque de fabrique du groupe.
Meandering Soul fait le plein de cordes torturées, d’âmes damnées, de cris suraigus puisés dans la douleur. Dans ces entrelacs, la voix tantôt abrasive, tantôt sensuelle de Chloé la transforme en ogresse capable de dévorer l’attention de son auditeur. Ce monopole de l’attention ferait presque oublier les musiciens qui entourent la frontwoman, comme sur “Red Desert”, où pourtant ses comparses sont le vaisseau qui la porte et la transcendent.
Le titre de l’album illustre sa conception, Meandering Soul, l’esprit sinueux, vient creuser un sillon dans de multiples univers, rock psychédélique, doom, heavy, traditionnel ou oriental. On pourrait résumer ces aller-retours entre les mondes avec “Waxdoll” , titre garage pop à l’énergie punk. qui par miracle va gratter du côté du prog et du kraut, en particulier avec les habiles solis de Tom le guitariste.
L’album est une machine à remonter le temps qui s’inscrit dans le contemporain pour remonter vers les 70’s. Le tout mis en abîme comme cetteoutro qui répond à l’intro par un réemploi thématique. , Djiin réveille l’auditeur de sa torpeur puis, de prise de conscience en révolte, oscille, navigue et finit toujours par s’envoler.
Six morceaux pour 40 petites minutes, quelle frustration, le format est court pour s’acclimater à tant d’étrangeté. Ce frais Meandering Soul, s’il donne encore parfois une impression de patchwork, affirme la cohésion du quartet qui, s’il continue dans cette voie, va finir par placer la barre encore plus haut dans ses prochaines productions.
Un son unique, mélange de stoner instrumental et de heavy progressif, des artworks beaux comme des toiles de maître, des concerts mémorables à travers nos contrées mais aussi en Europe : c’est peu dire que les Manceaux de Stone From The Sky ont, depuis 2014, réussi à marquer de leur empreinte la scène stoner hexagonale et européenne. Novembre 2021, voici que déboule la quatrième offrande studio du combo (qui vient de s’attacher les services d’un nouveau batteur), intitulée Songs From The Deepwater. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que l’artwork est au moins aussi sublime que les précédents, avec cette nuée de murènes protégeant jalousement le logo du groupe. Pour le côté visuel, c’est un sans-faute… Et pour la musique ?
D’emblée, on est plongé dans une ambiance cotonneuse et éthérée avec Godspeed, ses délicats arpèges de guitare, ses percussions qui vous caressent les oreilles, cette ambiance à la fois orientale et vaporeuse, comme au temps des meilleurs méfaits des maîtres du prog des seventies. Mais en un peu plus musclée malgré tout ! Une mise en bouche idéale, d’une part parce qu’elle donne furieusement envie d’en savoir plus et que d’autre part, on sent le groupe au sommet de son art, un art qu’il maîtrise toujours à la perfection. Stone From The Sky navigue désormais dans les eaux du post-rock et délaisse le côté psychédélique de ses compositions pour quelque chose de bien plus lourd, avec un son de basse plus épais, plus présent. Des noms comme Caspian, voire même Russian Circles, viennent à l’esprit. Des pointures du genre, que Stone From The Sky s’amuse à titiller. Pas un vain compliment !
Le Squinfus (drôle de titre !) enfonce le clou et se présente comme le titre le plus costaud de toute la discographie du trio. Préparez-vous à déguster un bon gros pot de rillettes durant six minutes éprouvantes mais grisantes ! Karoshi calme (un peu) le jeu avec un son bien plus apaisé, moins brutal mais tout aussi beau. Un titre qui démontre une fois de plus que SFTS a mûri et a parfaitement apprivoisé ce nouveau line-up (bien que l’ancien batteur Dylan ait participé à l’élaboration des compositions depuis 2018). Et quel son de basse, encore une fois ! The Annapurna Healer (et son final totalement grandiose et épique) poursuit le voyage et démontre un parfait agencement des titres, qui s’enchaînent à la perfection pour offrir une sorte d’entité globale totalement immersive. Ce n’est pas un album concept à proprement parler mais pourtant, c’est un album d’une cohérence absolue, un voyage de 40 minutes, un parcours initiatique, un envol vers des contrées lointaines et jusqu’ici rarement explorées par un groupe hexagonal.
On poursuit avec City I Angst, le premier extrait dévoilé en septembre dernier, qui dévoile des sonorités à la fois atmosphériques et abrasives. Bien plus prog dans son approche avec ses changements de rythmes et d’ambiances, il démontre tout ce qui fait le nouveau virage entrepris par le trio. Puis arrive 49.3 Nuances De Fuzz (!), son riff qui rentre immédiatement dans votre esprit et ses 7 minutes délectables. Et on termine en beauté avec Talweg, parfaite conclusion (et chantée s’il-vous-plaît !) à cet album dont l’écoute aura été un bonheur de chaque instant, un instant bien trop court et qui sera passé à toute vitesse.
L’exercice de l’album de stoner instrumental est bien souvent casse-gueule et beaucoup s’y sont cassé les dents car difficile d’emporter l’auditeur sans le lasser à un moment donné. SFTS y parvient avec les honneurs et les plus réfractaires au genre devraient y trouver leur bonheur. Le trio Manceau nous offre, avec Songs From The Deepwater, l’un des meilleurs albums instrumentaux de l’année. Et pas seulement français, mais bien de l’année 2021. Un incontournable du groupe et du genre.
Avec la régularité d’une montre suisse, deux ans après le controversé No Comfort, le trio suédois remet le couvert avec son cinquième LP, son second chez Relapse Records. Avec le même sens inexistant de la surprise, leur galette propose cinq nouvelles chansons (pour rappel : tous leurs albums ont cinq ou six chansons) pour quarante petites minutes ; pas leur plus gros bébé, loin s’en faut. Le plus beau alors ? Rentrons dans les entrailles de la bête pour le savoir…
Décidément pas motivés pour jouer la carte de l’originalité, il ne faut pas longtemps pour reconnaître la “patte Monolord” sur ce disque, par ailleurs enregistré par leur propre batteur : leur doom mélodique devenu emblématique est décliné en cinq versions qui ne visent aucunement à révolutionner quoi que ce soit. Et grand bien leur fasse… On retrouve donc sans déplaisir sur ce disque du gros riff de gratte, du gros riff de basse, du gros break à headbanger (lentement ou moins lentement), un son de basse gras à souhait, le chant clair toujours un peu aérien de Thomas… S’il est dit que c’est à la qualité de ses riffs que l’on mesure un album de doom, alors ce Your Time to Shine est loin de démériter.
Côté compos, comme toujours avec Monolord, on est loin de l’album plein : il y a des moments de grâce (le dernier tiers de “To Each their Own”, le riff d’intro dévastateur de “The Siren of Yersinia” puis son break central, l’intro de “To Each their Own”…) mais à côté de ça encore et toujours des sections plus convenues, un peu faciles. Il y a des essais sympas ici ou là (les arrangements de cordes sur la fin de “The Siren of Yersinia”, les deux dernières minutes très “Planet Caravan” de “Your Time to Shine”…) mais rien qui n’emmène cette galette à un niveau d’ambition que l’on attend toujours de la part de nos trois sympathiques doomsters scandinaves.
Pour autant, il serait intellectuellement malhonnête de ne pas reconnaître à ce disque, et à Monolord en général, le talent qui est le sien, dans le sillon musical qui est (désormais) le leur. Le tort que l’on a (et votre serviteur est le premier à battre sa coulpe) est de croire ou d’avoir cru un jour que Monolord serait le parangon du genre, l’avenir du doom, son nouveau porte-étendard. Le trio ne l’a jamais revendiqué, et le vent de fraîcheur amené en son temps par la paire Empress Rising / Vaenir nous aura un peu induit en erreur. En réalité, Monolord est et a toujours été ce groupe de doom franc du collier qui injecte plus qu’à son tour de fortes rasades de plans mélodiques et plus aérés. Puristes et trve doomsters, passez votre chemin : Monolord n’est pas (et n’a jamais vraiment été) un groupe pour vous !
Passées ces réflexions, le constat implacable par se dessiner : Your Time to Shine est finalement un bon album. Pas l’album de l’année, pas le meilleur Monolord non plus, mais au regard de la production des derniers mois, il propose des compos intéressantes, variées, et, rappelons-le, un quota satisfaisant de riffs. A prendre tel qu’il est, il y a de quoi se faire plaisir.
En quatre ou cinq ans, Green Lung s’est installé dans le paysage underground et a donc choisi le meilleur vrai label de genres underground pour sortir sa seconde galette, Svart records. Un très bon moyen de s’installer dans le temps, d’autant plus que les labels susceptibles de sortir ce genre de musique de nos jours ne se comptent pas sur beaucoup de doigts.
Si vous ne connaissez pas Green Lung (“Poumon Vert”), son sobriquet pourrait vous induire en erreur en imaginant un groupe dans la veine de gros lourdauds consommateurs d’herbe verte tels que Weedeater, Dopelord et autres joyeusetés lentes et/ou crasseuses au sobriquet évoquant largement les vertes volutes. Green Lung produit en réalité un heavy rock nerveux et rétro, mélange de vieux doom à la Candlemass ou Count Raven, partageant avec ce style de groupes cet effort particulier apporté aux vocaux, le chant de Tom Templar ici se révélant dès les premières écoutes être l’un des éléments les plus marquants de la musique du groupe : avec son timbre subtilement nasillard et ses envolées surprenantes (voir “Reapers Scythe”), il marque la musique du groupe de son empreinte. Mais ses collègues ne sont pas en reste, le quintette anglais proposant une série de compos riche d’instrumentations réussies, avec une panoplie étoffée de claviers toujours pertinents (on pense aux premiers Spiritual Beggars aussi), de la guitare sèche (le très beau “Graveyard Sun”) ou énervée (“Doomsayer”, “You Bear the Mark”), en rythmique mais aussi en soli : quelle joie régressive de voir cet exercice aussi futile que ringard trouver une place aussi remarquable ! Scott Black, seul 6-cordiste de la formation, brille de mille feux sur tous les fronts guitaristiques.
Au bout d’une demi-douzaine d’écoutes, les compos gagnent une sorte de familiarité, elles se frayent une place dans notre inconscient pour devenir des sortes d’évidence. Le fruit d’une production remarquable aussi, qui se permet de donner du clinquant et un son moderne à une recette old school.
On est donc face à un album dont la qualité et la richesse croissent au fil du temps, un disque dont on ne se lasse pas, qui satisfera autant les amateurs de vieux doom psych que ceux de retro rock à la sauce “allemando-scandinave” de la dernière décennie, le tout baigné dans une énergie qui emporte l’enthousiasme de quiconque se présente avec un esprit un peu ouvert. Une bien belle rondelle ma foi.
Bogwife jusqu’ici est un groupe qui n’a pas vraiment eu l’opportunité de se faire remarquer. Quartet danois formé il y a à peine trois ans, le groupe a sorti un album en 2020 passé complètement sous les radars, sur un label pas moins discret. En sait-on beaucoup plus sur le groupe ? Pas vraiment. Est-ce qu’on a besoin d’en savoir plus ? Pas vraiment non plus.
Du coup on s’enfile la galette assez vite sans trop se poser de question. Les cinq titres proposés ne laissent pas trop de doute sur les tendances musicales affichées (et assumées) : Bogwife propose un doom assez classique (école anglaise grand cru, du début du siècle, en gros), mâtiné d’influences stoner psych bien joufflues. Ainsi, si l’ombre du Electric Wizard “milieu de carrière” traîne sur cette galette (un peu trop de “Witchcult Today” dans le riff de “Celestial Dawn” ?), elle se retrouve épaulée de plans lourds et planants emblématiques d’Acid King, et d’un sens mélodique qui ne va jamais tomber très loin des plate bandes de Mars Red Sky. Une plutôt bonne compagnie a priori, donc.
Dans ces conditions, l’écoute de ces cinq titres est un véritable ravissement auditif pour tout amateur des formations suscitées : amateurs de gros riffs lents et efficaces étirés en longueur, avec un chant lointain paumé derrière les amplis, le tout baigné dans une fuzz vaporeuse et croustillante, ce disque devrait vous plaire. Il va sans dire que les compos, sans être révolutionnaires, ne manqueront pas, et ce dès le troisième ou quatrième tour de piste, de vous faire hocher lentement de la tête en rythme : développant un grand sens mélodique, les cinq titres proposent assez de variations et de riffs accrocheurs pour faire passer quelques délicieuses heures, la tête embrumée…
A Passage Divine est donc un bien agréable album de doom quasiment régressif : peu de nouveautés dans ce style rebattu a priori, mais l’incorporation de genres annexes bienvenus, porté par un vrai respect des principes fondateurs du genre, accompagné d’une écriture fort efficace, rendent le tout fichtrement efficace. Et donc un peu court : 36 minutes, c’est un peu trop light à ce niveau. Dommage.
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